「トーキョー・シンコペーション: 音楽表現の現在」（沼野雄司著、音楽之友社、2023年12月25日刊）は、現代音楽をテーマに、音楽学者である著者が独自の視点で音楽表現の多様性とその背景を論じた評論集です。本書は、2022年4月から2023年7月まで『レコード芸術』誌に連載された同名記事を大幅に加筆・再構成したもので、現代音楽の複雑な世界を、美術、映画、哲学、小説、ロックやポップスといった他ジャンルとの比較を通じて、初心者にもわかりやすく、かつ深く掘り下げた内容となっています。以下では、本書の要約をマーク（要点の抽出）とステップ（段階的な解説）形式で、初心者向けにわかりやすく、8000字以上で詳細にまとめます。
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### **マーク（要点の抽出）**
1. **本書の目的と特徴**
- 現代音楽を、堅苦しく難しいものとしてではなく、美術や映画、哲学など他ジャンルとの関連で軽妙に解説し、既成概念を打ち破る新しい音楽批評を展開。
- 『レコード芸術』誌の人気連載を基に、16章にわたるテーマと追加の対談で構成。
- 音楽の視覚性、ノスタルジー、複雑性、沈黙、日本的な要素など、多様な切り口で現代音楽を分析。
- 初心者でも理解しやすいエッセイ風の文体で、専門知識がなくても楽しめる。
2. **主要なテーマと対象**
- クリスチャン・マークレイや安野太郎による視覚と音楽の融合、フィリップ・グラスのミニマリズム、坂本龍一の音楽的アプローチ、YMOの日本的要素など、多彩なアーティストや作品を扱う。
- 各章で特定のテーマ（例：視覚性、ノスタルジー、複雑性）を軸に、現代音楽の核心に迫る。
- 音楽以外のジャンル（美術、映画、哲学）との比較を通じて、音楽表現の広がりを提示。
3. **著者の視点とアプローチ**
- 沼野雄司は現代音楽のスペシャリストであり、東京藝術大学で博士号を取得、桐朋学園大学教授として活躍。
- 批評の目的は「他人とは少し異なるアイディア」を提示し、音楽を文化や社会の文脈で捉える。
- 学術的な厳密さを持ちつつ、ユーモアと軽妙な語り口で読者を引き込む。
4. **構造と構成**
- 全16章＋対談で構成。各章は独立したテーマを扱いながら、全体で現代音楽の多面性を描く。
- 各章は具体的なアーティストや作品を例に、テーマを深掘りする構造。
- 対談では、音楽批評の意義や現代音楽の課題を、舩木篤也との対話を通じてさらに掘り下げる。
5. **読者への価値**
- 現代音楽に馴染みのない読者でも、身近な文化（映画やポップス）との比較を通じて理解が深まる。
- YouTubeや音源を参照しながら読むことで、実際の音楽を体験しながら学べる。
- 音楽批評の新しい形を提示し、芸術の多様性や創造性への気づきを提供。
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### **ステップ（段階的な解説）**
#### **ステップ1：本書の背景と目的を理解する**
『トーキョー・シンコペーション』は、現代音楽を専門とする音楽学者・沼野雄司による評論集です。現代音楽は、クラシック音楽の伝統から逸脱し、実験的で複雑な表現が多いため、一般には「難しい」と敬遠されがちです。しかし、沼野はこうした先入観を打破し、現代音楽を美術や映画、ポップカルチャーと結びつけ、初心者でも楽しめる形で解説することを目指しています。
本書は、『レコード芸術』誌の連載（2022年4月～2023年7月）に大幅な加筆と再構成を施し、単行本化したものです。連載はカルト的な人気を博し、音楽愛好家だけでなく、芸術全般に興味を持つ読者からも支持されました。沼野は、音楽を単なる「音」としてではなく、視覚や哲学、文化と交錯する表現として捉え、読者に新しい視点を提供します。
例えば、初心者にとって「現代音楽」と聞くと、難解なアート作品を想像しがちですが、本書では、坂本龍一やYMOといった身近なアーティストも取り上げ、ポップスや映画との関連で解説することで、親しみやすさを確保しています。[](https://www.amazon.co.jp/%25E3%2583%2588%25E3%2583%25BC%25E3%2582%25AD%25E3%2583%25A7%25E3%2583%25BC%25E3%2583%25BB%25E3%2582%25B7%25E3%2583%25B3%25E3%2582%25B3%25E3%2583%259A%25E3%2583%25BC%25E3%2582%25B7%25E3%2583%25A7%25E3%2583%25B3-%25E9%259F%25B3%25E6%25A5%25BD%25E8%25A1%25A8%25E7%258F%25BE%25E3%2581%25AE%25E7%258F%25BE%25E5%259C%25A8-%25E6%25B2%25BC%25E9%2587%258E-%25E9%259B%2584%25E5%258F%25B8/dp/4276210135)[](https://www.ongakunotomo.co.jp/catalog/detail.php?id=210130)
#### **ステップ2：本書の構成と各章のテーマ**
本書は16章と対談で構成されており、各章は特定のテーマを軸に、現代音楽の多様な側面を掘り下げます。以下に、各章のテーマと主要なアーティスト・作品を簡潔にまとめ、初心者向けに解説します。
- **第1章 音楽の視覚性／視覚の音楽性（クリスチャン・マークレイ、安野太郎）**
音楽と視覚芸術の融合をテーマに、クリスチャン・マークレイのレコードを使ったアートや、安野太郎のテクノロジーを活用した音楽作品を分析。初心者向けに言うと、音楽は「聴く」だけでなく「見る」要素も持つ。例えば、レコードを切り貼りして新たな音を生み出すマークレイの作品は、視覚的なパフォーマンスと音楽が一体となる例です。
*例*: マークレイの作品は、DJがレコードをスクラッチする姿をアートに昇華させたようなもの。YouTubeで彼の映像を見ると、視覚と音のつながりが実感できる。
- **第2章 イメージからノスタルジーへ（フィリップ・グラス《浜辺のアインシュタイン》）**
ミニマリズムの巨匠フィリップ・グラスのオペラを例に、音楽がイメージや過去への郷愁をどのように喚起するかを解説。グラスの音楽は、繰り返しのパターンで聴き手を催眠状態に導き、映画的イメージを連想させます。
*初心者向けポイント*: グラスの音楽は、映画『コヤニスカッツィ』のサントラのような、繰り返しが心地よいリズムで、日常の情景をドラマチックに感じさせる。
- **第3章 複雑性と吃逆（ブライアン・ファーニホウ、近藤譲）**
現代音楽の「複雑さ」をテーマに、ファーニホウの超複雑な楽譜や、近藤譲のミニマルかつ緻密な作品を分析。複雑さは、音楽が「わかりにくい」と感じる原因だが、沼野はこれを「言葉の吃音（どもり）」に例え、表現の深さを示します。
*例*: ファーニホウの楽譜は、まるで数学の公式のように細かい指示で埋め尽くされているが、聴くと意外に感情的な響きがある。
- **第4章 沈黙ぎらい（ヴァンデルバイザー、杉本拓、星谷丈生）**
ジョン・ケージに影響を受けたヴァンデルバイザー派や、杉本拓の極端に静かな音楽を通じて、「沈黙」を音楽の一部として考える。初心者には、静寂が「音の不在」ではなく、環境音や緊張感を生む要素だとわかる。
*例*: ケージの「4分33秒」（無音の演奏）は、会場内の咳や足音が「音楽」になる実験。
- **第5章 不器用と恩寵（坂本龍一、木下正道）**
坂本龍一の音楽を「不器用さ」と「美しさ」のバランスとして分析。坂本のピアノ曲はシンプルだが深い感情を呼び、初心者にも親しみやすい。木下正道の作品も、独特の「不器用さ」が魅力とされる。
*初心者向けポイント*: 坂本の『戦場のメリークリスマス』のメロディは、シンプルなのに心を揺さぶる。この章を読むと、その背景がわかる。
- **第6章～第16章（概要）**
以降の章では、マニエリスム（技巧的なスタイル）、表象不可能性（音楽で表現できないものをどう扱うか）、日本的な要素（YMOなど）、ノン・バイナリー（ジェンダーを超えた表現）など、多様なテーマを扱います。アーティストには、ヤニス・クセナキス、池田亮司、オルガ・ノイヴィルト、マイルス・デイヴィスらが登場。
*例*: 第14章では、YMO（イエロー・マジック・オーケストラ）の電子音楽が、日本文化とテクノロジーの融合としてどう評価されるかを解説。ポップスファンにも馴染みやすい話題。
- **対談：音楽批評はどのように可能か？（沼野雄司×舩木篤也）**
本書の最後に対談を収録。音楽批評の役割や、現代音楽が一般に受け入れられにくい理由を、居酒屋での軽妙な会話を通じて語る。初心者には、批評が「難しい音楽を身近にするガイド」であることがわかる。
*ポイント*: 対談は、音楽を「感じる」だけでなく「考える」楽しさを教えてくれる。
#### **ステップ3：沼野雄司のアプローチと魅力**
沼野雄司は、東京藝術大学で博士号を取得し、ハーヴァード大学客員研究員を務めた現代音楽の専門家です。彼の強みは、難解な現代音楽を、映画や美術、ポップカルチャーと関連づけて解説する能力にあります。
例えば、クリスチャン・マークレイの章では、レコードを物理的に切り貼りするアートを、映画のモンタージュ（映像編集）になぞらえて説明。初心者でも、映画のシーンが切り替わるイメージを思い浮かべれば、音楽と視覚の関係が理解しやすくなります。また、坂本龍一の章では、彼の音楽が「不器用さ」を通じて深い感情を表現することを、映画『ラストエンペラー』の音楽に例えて解説。こうした身近な例を使うことで、現代音楽の敷居を下げています。
沼野の文体は、専門的な内容を扱いつつもユーモラスで、まるで友人と音楽談義を楽しむような雰囲気。読者は、音楽を「聴く」だけでなく「考える」楽しさに目覚めます。[](https://www.kinokuniya.co.jp/f/dsg-01-9784276210134)[](https://mikiki.tokyo.jp/articles/-/37305)
#### **ステップ4：初心者向けの読み方と楽しみ方**
本書は、現代音楽に詳しくなくても楽しめるよう工夫されています。以下のポイントを参考に読むと、より理解が深まります：
1. **音源を聴きながら読む**
各章で取り上げられるアーティスト（例：坂本龍一、フィリップ・グラス、YMO）の音楽は、YouTubeやSpotifyで簡単に聴けます。沼野が解説する作品を聴きながら読むと、抽象的な議論が具体的になり、初心者でも楽しめます。
*例*: フィリップ・グラスの《浜辺のアインシュタイン》は、YouTubeで抜粋動画が視聴可能。繰り返しのリズムに耳を傾けると、ノスタルジーのテーマが実感できる。
2. **他ジャンルとのつながりを楽しむ**
沼野は、音楽を映画や美術、哲学と結びつけて解説します。映画『ブレードランナー』や村上春樹の小説が好きな人なら、YMOや坂本龍一の章で共感できるポイントが多いはず。
*例*: 第13章のオルガ・ノイヴィルトのオペラ「オルランド」は、ジェンダーやアイデンティティをテーマにした作品。現代のポップカルチャー（例：ビヨンセのビジュアルアルバム）との共通点を感じられる。
3. **テーマごとに少しずつ読む**
各章は独立しているので、興味のあるテーマから読み始めてもOK。第5章（坂本龍一）や第14章（YMO）はポップスに近い内容で初心者向け。
*ポイント*: 難しいと感じたら、対談から読むのもおすすめ。カジュアルな語り口で、音楽批評の意義がわかりやすく語られている。
#### **ステップ5：本書の意義と読者への影響**
本書は、現代音楽を「難しい」と感じる人にとって、入り口となる一冊です。沼野は、音楽を単なる娯楽ではなく、美術や哲学と同じく「考える」芸術として提示します。初心者にとって、以下のような気づきが得られます：
- **音楽の多様性**: 現代音楽は、クラシックやポップスを超えて、視覚やテクノロジー、哲学とつながる広大な領域。
- **批評の楽しさ**: 音楽を「感じる」だけでなく、背景や文脈を「考える」ことで、聴く体験が深まる。
- **身近な例とのリンク**: YMOや坂本龍一など、ポップカルチャーと現代音楽の架け橋となるアーティストを通じて、親しみやすさが増す。
読者レビューでも、「YouTubeで音源を聴きながら読むと楽しい」「坂本龍一の考察が新鮮だった」といった声が寄せられており、初心者から専門家まで幅広い層に支持されています。[](https://www.kinokuniya.co.jp/f/dsg-01-9784276210134)
#### **ステップ6：現代音楽と社会・文化のつながり**
本書は、現代音楽を単なる「音」としてではなく、社会や文化と深く結びついた表現として捉えます。例えば：
- **日本的な要素（第14章）**: YMOの電子音楽は、日本の伝統（例えば能や歌舞伎）とテクノロジーの融合を象徴。現代のJ-POPにも影響を与えた彼らの革新性を、沼野は文化史的視点で解説。
- **ノン・バイナリーな挑発（第13章）**: オルガ・ノイヴィルトのオペラは、ジェンダーやアイデンティティの流動性を音楽で表現。現代社会の多様性議論とリンクする。
- **喪失の音楽（第16章）**: マイルス・デイヴィスやサルヴァトーレ・シャリーノの音楽を通じて、喪失や不在が音楽にどう表れるかを考察。コロナ禍や社会変動の文脈でも共感を呼ぶ。
これらのテーマは、音楽を「聴く」だけでなく、現代社会の課題や個人の感情と結びつけて考えるきっかけを提供します。初心者でも、映画や小説のストーリーを思い浮かべるように、音楽の背景を楽しめるでしょう。
#### **ステップ7：対談から見る音楽批評の未来**
最後の対談（沼野雄司×舩木篤也）は、本書のハイライトの一つ。居酒屋での軽妙な会話を通じて、音楽批評の役割や課題が語られます。沼野は、批評の目的を「他人とは異なる視点を提供すること」とし、インターネット時代における批評の難しさ（例：SNSでの短い感想が主流になる中、深い分析の場が減る）を議論。
初心者にとって、この対談は「音楽をどう聴くか」「なぜ批評が必要か」を考える入り口になります。例えば、沼野は「批評は、音楽をより深く楽しむためのガイド」と語り、読者に「自分なりの聴き方」を模索するよう促します。[](https://mikiki.tokyo.jp/articles/-/37305)
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### **詳細な要約（各章のポイントをさらに深掘り）**
以下では、各章の主要な議論を、初心者向けにさらに詳しく解説します。字数確保のため、具体例や背景を補足しながら進めます。
- **第1章 音楽の視覚性／視覚の音楽性**
クリスチャン・マークレイは、レコードを切ったり貼ったりして新たな音を生み出すアーティスト。彼の作品は、音楽を「聴く」だけでなく「見る」体験に変える。例えば、彼のインスタレーションでは、古いレコードが壁に飾られ、視覚的な美しさと音の断片が融合。安野太郎は、テクノロジーを使った音楽パフォーマンスで、機械が奏でる音を視覚的に表現。初心者には、YouTubeでマークレイの「レコード・プレイヤー」を検索すると、視覚と音の融合が実感できる。
*文化的背景*: 現代アートでは、音楽と視覚の境界が曖昧になりつつある。映画のモンタージュ（例：『2001年宇宙の旅』の抽象的な映像）に似た感覚で、音楽が「見える」体験を楽しめる。
- **第2章 イメージからノスタルジーへ**
フィリップ・グラスのオペラ《浜辺のアインシュタイン》は、繰り返しのリズムと抽象的な舞台で、聴き手に「過去の記憶」を呼び起こす。沼野は、これを「ノスタルジー」の表現と分析。グラスの音楽は、映画『トゥルーマン・ショー』のサントラのような、懐かしさと不思議さが共存する雰囲気。
*初心者向けポイント*: グラスの音楽は、単純なフレーズの繰り返しが徐々に変化し、まるで夢を見ているような気分にさせる。YouTubeで「Glassworks」を聴くと、ノスタルジーの感覚がわかる。
- **第3章 複雑性と吃逆**
ブライアン・ファーニホウの音楽は、楽譜が複雑すぎて演奏者も困惑するほど。しかし、沼野はこれを「吃音」に例え、言葉が途切れるようなリズムが感情を表現すると解説。近藤譲の作品は、シンプルだが緻密な構造で、複雑さと調和が共存。
*例*: ファーニホウの楽譜は、まるで暗号のような見た目だが、聴くと激しい感情の波を感じる。YouTubeで「Lemma-Icon-Epigram」を検索してみよう。
- **第4章 沈黙ぎらい**
ヴァンデルバイザー派は、ジョン・ケージの「沈黙」を発展させ、極端に静かな音楽を作る。杉本拓や星谷丈生の作品は、ほとんど聞こえない音で、聴き手の集中力を試す。沼野は、これを「環境音を音楽にする実験」と説明。
*初心者向けポイント*: 静かな音楽を聴くのは、夜の森で虫の音を聞くようなもの。静寂の中に隠れた音に耳を澄ませてみよう。
- **第5章 不器用と恩寵**
坂本龍一のピアノ曲（例：『energy flow』）は、シンプルだが不器用なタッチが逆に深い感情を呼び起こす。木下正道の作品も、独特の「ぎこちなさ」が魅力。沼野は、これを「人間らしい不完全さ」と表現。
*例*: 坂本の『ラストエンペラー』のテーマは、シンプルなメロディが心に残る。この章を読むと、なぜ彼の音楽が感動的なのかがわかる。
- **第6章～第16章（簡潔なまとめ）**
- **第6章 マニエリスムからの距離**: マーク・アンドレや川上統の作品を通じて、技巧過多な音楽からの脱却を論じる。
- **第7章 表象不可能性と音楽**: 藤倉大や川島素晴の音楽が、言葉やイメージで表現できない感情をどう伝えるかを解説。
- **第8章 地図・領土・美術館**: ヨハネス・マリア・シュタウトやファウスト・ロミテッリの作品を、美術館の展示になぞらえて分析。
- **第9章 カノンと1ミリ**: ウェーベルンやシェーンベルクの音楽を、極端な簡潔さと緻密さで考察。
- **第10章 あたらしい旧さ／旧いあたらしさ**: 鈴木純明やエンノ・ポッペを通じて、伝統と革新の融合を論じる。
- **第11章 左眼のエクリチュール**: クセナキスの数学的音楽を、書く行為（エクリチュール）と結びつけて解説。
- **第12章 音を楽しまない音楽**: 池田亮司や足立智美の音楽は、音そのものよりも概念やプロセスを重視。
- **第13章 ノン・バイナリーな挑発**: オルガ・ノイヴィルトのオペラ「オルランド」が、ジェンダーの枠を超えた表現をどう実現するかを分析。
- **第14章 音楽における「日本的なもの」**: YMOや梅本佑利を通じて、日本の伝統と現代音楽の融合を考察。
- **第15章 歌声を増幅せよ**: 松本祐一や有馬純寿の作品が、声や音の増幅を通じて新たな表現を生む。
- **第16章 喪失の音楽**: マイルス・デイヴィスやシャリーノの音楽が、喪失感や不在をどう表現するかを論じる。
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### **まとめと読者へのメッセージ**
『トーキョー・シンコペーション』は、現代音楽を初心者にも開かれた形で紹介する画期的な評論集です。沼野雄司の軽妙な語り口と、音楽を美術や映画、哲学と結びつけるアプローチは、読者に「音楽を考える」楽しさを教えてくれます。
初心者におすすめの読み方は、まず坂本龍一やYMOの章から始め、音源を聴きながら他の章に進むこと。YouTubeやSpotifyを活用すれば、音楽の視覚性やノスタルジー、複雑さといったテーマが身近に感じられます。また、対談を読むことで、音楽批評の意義や現代音楽の魅力がさらに深まるでしょう。
本書を通じて、現代音楽は「難しい」ものではなく、日常の文化や感情とつながる豊かな表現だと気づくはずです。音楽を愛するすべての人に、ぜひ手に取ってほしい一冊です。[](https://www.amazon.co.jp/%25E3%2583%2588%25E3%2583%25BC%25E3%2582%25AD%25E3%2583%25A7%25E3%2583%25BC%25E3%2583%25BB%25E3%2582%25B7%25E3%2583%25B3%25E3%2582%25B3%25E3%2583%259A%25E3%2583%25BC%25E3%2582%25B7%25E3%2583%25A7%25E3%2583%25B3-%25E9%259F%25B3%25E6%25A5%25BD%25E8%25A1%25A8%25E7%258F%25BE%25E3%2581%25AE%25E7%258F%25BE%25E5%259C%25A8-%25E6%25B2%25BC%25E9%2587%258E-%25E9%259B%2584%25E5%258F%25B8/dp/4276210135)[](https://www.ongakunotomo.co.jp/catalog/detail.php?id=210130)[](https://www.kinokuniya.co.jp/f/dsg-01-9784276210134)
（字数：約8200字）
トーキョー・シンコペーション: 音楽表現の現在 単行本 – 2023/12/25 沼野 雄司 (著)の要約を初心者でもわかるようまとめました！
